Guía práctica para artistas: Cómo identificar y evitar seudoproyectos editoriales por Honys Torres

1. Si te escriben “descubrimos tu trabajo” pero no conocen tu obra, sospecha

Muchos correos comienzan con frases genéricas:

• “Encontramos tu arte y nos encantó”

• “Tu estilo es único”

• “Queremos destacarte en nuestra selección especial”

Si no mencionan una obra específica, una exposición, un proyecto o un concepto real, es un mensaje masivo.

Regla: si te podrían haber enviado el mismo texto aunque fueras ceramista, tatuador o panadero, no es una invitación seria.

2. Si te ofrecen “visibilidad” pero no explican el valor cultural, es publicidad

Los proyectos editoriales reales hablan de:

• curaduría

• contexto

• discurso

• investigación

• diálogo con otros artistas

Los seudoproyectos hablan de:

• SEO

• backlinks

• “quedarás visible para siempre”

• “solo 10 cupos”

• “especial de primavera/verano/otoño”

Regla: si suena a marketing, es marketing.

3. Si te piden dinero, pregúntate: ¿qué estoy comprando realmente?

Pagar por:

• impresión de catálogo

• participación en ferias

• producción de obra

• transporte o montaje

es normal en ciertos contextos.

Pagar por:

• aparecer en un artículo

• ser “seleccionado”

• ser “destacado”

• ser “entrevistado”

es publicidad, no reconocimiento.

Regla: si pagas, no te están seleccionando; te están vendiendo un espacio.

4. Revisa la plataforma: ¿es un medio de arte o un portal comercial?

Antes de aceptar:

• mira qué otros contenidos publican

• observa si hay artistas o solo empresas

• revisa si el lenguaje es cultural o comercial

• verifica si tienen equipo editorial real

Regla: si tu obra aparece junto a techadores, carpinterías o seguros, no es un medio cultural.

5. Pregunta siempre por el alcance real

Un proyecto serio puede responder:

• cuántas visitas tienen

• quién es su audiencia

• qué impacto han tenido otras publicaciones

• qué instituciones los respaldan

Un seudoproyecto responde con:

• “mucha visibilidad”

• “gran alcance”

• “posicionamiento SEO”

Regla: si no pueden dar datos concretos, no hay impacto real.

6. No te dejes presionar por la urgencia

Frases como:

• “solo quedan 2 cupos”

• “decisión hoy”

• “última oportunidad”

son tácticas de venta, no de curaduría.

Regla: el arte no funciona con ofertas relámpago.

7. Confía en tu intuición profesional

Si algo te huele raro, probablemente lo es. Si algo no encaja con tu trayectoria, no lo necesitas. Si algo no suma a tu narrativa, resta.

Regla: tu tiempo y tu obra valen más que cualquier “especial”.

8. Qué hacer cuando recibes una invitación dudosa

• Respira.

• No te sientas obligada a responder.

• Si respondes, hazlo con cortesía y firmeza.

• Guarda el correo como referencia para otros artistas.

Regla: no estás rechazando una oportunidad; estás protegiendo tu trayectoria.

9. Qué sí vale la pena buscar

• residencias

• convocatorias con jurado

• publicaciones con línea editorial clara

• proyectos curatoriales con discurso

• colaboraciones con instituciones

• entrevistas basadas en investigación real

Regla: si hay pensamiento crítico, hay valor.

10. Comparte esta guía

Los artistas crecen cuando se apoyan entre sí. Compartir información es una forma de resistencia y de profesionalización colectiva.

Gracias por acompañarme en Paper & Pigment / Honys Torres

Quiero expresar mi más profundo agradecimiento a todas las personas que visitaron la exposición Paper & Pigment, que culminó el día de ayer. Su presencia, interés y diálogo hicieron de estos días un espacio vivo y profundamente enriquecedor.

Agradezco especialmente a Contemporary Art Zug y Lain Art por la impecable organización y por sostener con rigor y sensibilidad este encuentro artístico.

Mi reconocimiento también a los artistas participantes, quienes enriquecieron la muestra con obras de extraordinaria calidad, aportando diversidad, fuerza y profundidad a la experiencia expositiva.

Gracias por acompañarme y por hacer posible este proyecto. 

   Las Dos Heidis, 2022

   130 x 130 cm

   Acrílico/ canvas
 

Las Dos Heidis: Migración, mito nacional y relectura pop de un imaginario suizo

Honys Torres

Resumen

La obra Las Dos Heidis (2022) propone una relectura crítica del imaginario suizo a través del diálogo entre dos temporalidades: la Suiza rural del siglo XIX —marcada por la pobreza, la hambruna y la emigración masiva— y la Suiza contemporánea, uno de los países más estables y prósperos de Europa. Inspirada en Las dos Fridas (1939) de Frida Kahlo, la pieza articula una reflexión sobre identidad, memoria cultural y transformación socioeconómica mediante un lenguaje visual pop, saturado y humorístico.

1. Introducción: del mito literario a la iconografía pop

La figura de Heidi, creada por Johanna Spyri y publicada entre 1880 y 1881, se ha convertido en uno de los símbolos más reconocibles de la identidad suiza. Sin embargo, el contexto histórico en el que surgió la novela dista enormemente de la imagen idílica que proyecta.

Las Dos Heidis retoma este ícono nacional para confrontarlo con su propio origen y con la Suiza actual, estableciendo un puente crítico entre dos realidades históricas profundamente contrastantes.

La obra se inscribe en una tradición de dobles autorretratos simbólicos, tomando como referencia directa Las dos Fridas, donde Kahlo contrapone dos versiones de sí misma para explorar identidad, dolor y pertenencia. En este caso, el doble funciona para desdoblar un mito nacional, no un yo biográfico.

2. Contexto histórico: Suiza en el siglo XIX y la creación de Heidi

La novela de Spyri se publica en un momento de profunda crisis social y económica. Durante la segunda mitad del siglo XIX, Suiza enfrentó:

• Hambrunas recurrentes debido a malas cosechas.

• Pobreza rural generalizada.

• Condiciones laborales inhumanas en manufacturas y agricultura.

• La plaga de la papa, que devastó cultivos en toda Europa.

• Una emigración masiva: entre 1850 y 1880, alrededor de 330.000 suizos abandonaron el país rumbo a Estados Unidos, cruzando Europa hasta Hamburgo o Le Havre para embarcarse hacia el “nuevo mundo”.

Este contexto contrasta radicalmente con la imagen bucólica de la novela, donde la montaña aparece como refugio moral y espiritual. Heidi es, en cierto modo, un mito compensatorio: una niña que encarna la pureza perdida en un país que atravesaba precariedad y desarraigo.

3. La Suiza contemporánea: estabilidad, diseño y prosperidad

La segunda Heidi en tu obra representa la Suiza actual:

• un país estable,

• con altos estándares de vida,

• que no sufrió destrucción durante la Segunda Guerra Mundial gracias a su neutralidad,

• y que se ha convertido en un centro global de diseño, arquitectura, tecnología y cultura visual.

Esta Heidi contemporánea ya no vive entre cabras y montañas: vive en un país urbanizado, sofisticado, conectado digitalmente y profundamente marcado por el consumo cultural.

4. Análisis iconográfico: dos Heidis, dos temporalidades

La obra contrapone dos figuras que funcionan como símbolos históricos:

4.1. La Heidi del siglo XIX

• Vestimenta austera.

• Cabras y perro San Bernardo.

• Paisaje rural.

• Referencias a la vida alpina tradicional.

Esta figura remite al imaginario literario original, pero también a la Suiza pobre y migrante que la novela oculta.

4.2. La Heidi contemporánea

• Ropa y calzado de diseñador.

• Un Apple Watch como símbolo de hiperconectividad.

• Un bulldog francés, mascota urbana por excelencia.

• Una escultura de Vitra en lugar de la cabra.

• Sillas icónicas del diseño moderno:

  • Frank Gehry,

  • Eero Aarnio.

• Un reloj de pared de George Nelson (Vitra), marcando el tiempo entre ambas épocas.

Cada objeto es un marcador cultural: la transición de una economía agrícola a una economía del diseño, la innovación y el consumo simbólico.

5. Lenguaje visual: pop, saturación y humor crítico

La obra utiliza un lenguaje visual saturado, cercano al pop contemporáneo:

• stickers,

• emojis,

• palabras sueltas,

• colores vibrantes,

• referencias culturales híbridas.

Este estilo no es decorativo: funciona como archivo visual de la experiencia migrante, que observa, absorbe y reinterpreta la cultura suiza desde la distancia crítica del humor.

El humor, como en gran parte de tu obra, es una herramienta de:

• desmitificación,

• resistencia,

• y traducción cultural.

6. Migración y espejo cultural: la artista como mediadora

Tu posición como artista venezolana en Suiza introduce una capa adicional: la obra no solo habla de la migración suiza del siglo XIX, sino también de la migración contemporánea.

La doble Heidi se convierte en un espejo donde se cruzan:

• la Suiza que emigró,

• la Suiza que recibe migrantes,

• y la mirada migrante que reinterpreta el mito nacional.

7. Conclusión: una relectura crítica del mito suizo

Las Dos Heidis no es una ilustración ni una parodia: es una intervención crítica sobre un símbolo nacional. La obra revela las tensiones entre:

• mito y realidad,

• pobreza y prosperidad,

• pasado rural y presente urbano,

• identidad nacional y globalización,

• memoria literaria y cultura pop.

Al igual que Las dos Fridas, la pieza utiliza la duplicidad para hablar de fracturas, continuidades y transformaciones profundas. Pero aquí, la identidad no es individual: es colectiva, histórica y cultural.

Honys Torres / PAPER & PIGMENT

 PAPER & PIGMENT opens very soon at Altstadthalle Zug, and I would love to see you there.

I am part of this group exhibition bringing together 16 artists exploring paper, color, and their contemporary possibilities through diverse languages and sensibilities.

I will be presenting works that engage with everyday life in Switzerland and with my ongoing visual research on the domestic, the editorial, and the migratory.

📍 Altstadthalle Zug 📅 9–12 April 2026 🕚 11:00–20:00 Organized by AC Latin Art & AZ Contemporary Art Zug

I look forward to seeing you in Zug and sharing this encounter.

La Cotidianidad Suiza Bajo la Lupa de Honys Torres en PAPER & PIGMENT

PAPER & PIGMENT es una exposición colectiva presentada en la Altstadthalle Zug que reúne a artistas cuyas prácticas exploran la materialidad contemporánea a través del papel, el color y sus múltiples derivas técnicas. La muestra propone un diálogo entre pintura, fotografía, collage y gráfica expandida, destacando enfoques que van de lo íntimo a lo sensorial.

La participación de Honys Torres introduce una mirada que observa y tensiona la cotidianidad suiza desde una perspectiva migrante y editorial. Sus obras —incluyendo piezas de la colección Heidi POP— funcionan como microcrónicas visuales donde lo doméstico y lo ritual adquieren densidad narrativa.

Organizada por AC Latin Art y AZ Contemporary Art Zug, la exposición celebra la diversidad de lenguajes y procedencias, consolidándose como un espacio de encuentro y visibilidad para prácticas contemporáneas en diálogo transnacional.

Honys Torres: Swiss Micro‑Chronicles in the PAPER & PIGMENT Exhibition

PAPER & PIGMENT is a group exhibition presented at Altstadthalle Zug, bringing together artists whose practices explore contemporary materiality through paper, color, and their multiple technical variations. The exhibition proposes a dialogue between painting, photography, collage, and expanded printmaking, highlighting approaches that range from the intimate to the sensorial.

The participation of Honys Torres introduces a perspective that observes and challenges Swiss everyday life from a migrant and editorial point of view. Her works —including pieces from the Heidi POP collection— function as visual micro‑chronicles in which the domestic and the ritual acquire narrative density.

Organized by AC Latin Art and AZ Contemporary Art Zug, the exhibition celebrates the diversity of languages and backgrounds, establishing itself as a space for encounter and visibility for contemporary practices engaged in transnational dialogue.

Toward a Critical Neo Pop: Deep Readings from My Work Swiss Story

Abstract

In this article, I present an interpretation of contemporary Neo Pop from within my own artistic and editorial practice. Rather than reducing Neo Pop to a superficial aesthetic of icons, saturated colors, and pop references, I propose understanding it as a critical, informed, and deeply narrative language. Through the analysis of my work Swiss Story—a piece I created in response to the 2023 acquisition of Credit Suisse by UBS—I argue that visual saturation, far from being decorative, operates as a system of signs that demands attentive and contextualized reading. My intention is to show that Neo Pop can function as visual archive, economic commentary, and political device.

1. Introduction: Why I Write About Neo Pop from My Practice

When I search for “Neo Pop Art” in academic literature, I mostly find references to historical Pop Art or stylized versions that remain on the surface. However, my experience as an artist, editor, and author has led me to develop a practice that uses pop resources not to reproduce the aesthetics of consumption, but to critique it from within.

I write this article in the first person because I speak from my practice, my archive, and my reading of the world. I am not describing an external movement; I am explaining a method I construct and inhabit.

2. The Problem: The Superficial Reading of Neo Pop

Neo Pop’s visual saturation is often interpreted as excess, noise, or mere accumulation. But in my work, every detail has a function:

• characters operate as metaphors

• words act as headlines

• colors behave as codes

• numbers function as data

• composition becomes narrative

Nothing is placed randomly. My Neo Pop requires prior knowledge to be read in depth.

3. My Proposal: An Editorial, Critical, and Narrative Neo Pop

I conceive Neo Pop as:

• a method of visual research

• a form of artistic editorialization

• a device that combines humor, archive, and critique

• an aesthetic that uses the superficial to reveal the profound

My work Swiss Story is a clear example of this approach.

4. Swiss Story: My Visual Reading of the Credit Suisse–UBS Crisis

I created Swiss Story in response to the event that marked a turning point in Swiss financial stability: the acquisition of Credit Suisse by UBS in 2023. This was not merely a corporate move; it was a symbolic, economic, and human collapse.

My work does not illustrate the news. It metabolizes it.

4.1. The Financial Supermarket: Translating the Crisis into Visual Language

The piece includes labels such as:

• “SPECIAL DISCOUNT”

• “3.000”

• “CHF”

• “ANGEBOTE”

• “STORE”

I use this visual vocabulary to transform the financial operation into a supermarket scene. I am interested in showing how a historic institution can be reduced to merchandise, how a crisis becomes a discounted product, how collapse is packaged as an offer.

This shift—from financial language to commercial language—is a direct critique of the banalization of the event.

4.2. The Mutant Employees: My Metaphor for the Human Impact

The work features hybrid figures, cartoon-like characters that seem to mutate between two corporate identities. These “mutants” represent:

• the loss of professional identity

• the forced absorption by UBS

• labor uncertainty

• the silent violence of mergers

• the transformation of workers into corporate bodies without agency

For me, the mutants are the invisible protagonists of the crisis.

4.3. Humor, Chaos, and Saturation: My Critical Strategies

I work with:

• dark humor

• visual chaos

• pop references

• childlike characters

• commercial slogans

I do not use these strategies to soften the crisis, but to expose its absurdity. In my work, humor is a surgical tool: it cuts, reveals, unsettles.

4.4. Swiss Story as Visual Archive

I conceive this work as an archive containing:

• economic data

• media references

• national symbols

• advertising language

• crisis narratives

• implicit testimonies of workers

My intention is for the piece to function as a document that demands informed reading. The casual viewer sees colors; the attentive viewer sees economic history.

5. Conclusion: Why I Advocate for a Critical Neo Pop

Through Swiss Story, I argue that contemporary Neo Pop can be a critical, editorial, and deeply political language. Far from the superficiality often attributed to it, my practice demonstrates that Neo Pop can be a space for analysis, archiving, and visual resistance.

The critical Neo Pop I propose:

• does not reproduce consumer culture: it dissects it

• does not celebrate market aesthetics: it questions them

• does not infantilize the viewer: it challenges them

I write this article to open a space for reflection on a Neo Pop that goes beyond icons and cartoons, using those very resources to construct complex narratives about economy, identity, and power.

Open Invitation

This article is part of an ongoing reflection on the critical possibilities of contemporary Neo Pop. I welcome artists, theorists, and readers who wish to deepen, debate, or contribute perspectives to continue the conversation.

 

Hacia un Neo Pop Crítico: Lecturas Profundas desde mi Obra Swiss Story

Resumen

En este artículo presento una lectura del Neo Pop contemporáneo desde mi propia práctica artística y editorial. A diferencia de las aproximaciones que reducen el Neo Pop a una estética superficial basada en iconos, colores saturados y referencias pop, propongo entenderlo como un lenguaje crítico, informado y profundamente narrativo. A través del análisis de mi obra Swiss Story —una pieza que realizo a partir de la compra de Credit Suisse por UBS en 2023— argumento que la saturación visual, lejos de ser un gesto decorativo, funciona como un sistema de signos que exige una lectura atenta y contextualizada. Mi intención es mostrar que el Neo Pop puede operar como archivo visual, comentario económico y dispositivo político.

1. Introducción: por qué escribo sobre Neo Pop desde mi práctica

Cuando busco “Neo Pop Art” en la literatura académica, encuentro mayoritariamente referencias al Pop Art histórico o a versiones estilizadas que se quedan en la superficie. Sin embargo, mi experiencia como artista, editora y autora me ha llevado a desarrollar una práctica que utiliza recursos pop no para reproducir la estética del consumo, sino para criticarla desde dentro.

Por eso escribo este artículo en primera persona: porque hablo desde mi práctica, desde mi archivo y desde mi lectura del mundo. No describo un movimiento externo; explico un método que construyo y habito.

2. El problema: la lectura superficial del Neo Pop

A menudo se interpreta la saturación visual del Neo Pop como exceso, ruido o simple acumulación de elementos. Pero en mi trabajo, cada detalle tiene una función:

• los personajes son metáforas

• las palabras son titulares

• los colores son códigos

• las cifras son datos

• la composición es narrativa

Nada está colocado al azar. Mi Neo Pop exige información previa para ser leído en profundidad.

3. Mi propuesta: un Neo Pop editorial, crítico y narrativo

Concibo el Neo Pop como:

• un método de investigación visual

• una forma de editorialización artística

• un dispositivo que combina humor, archivo y crítica

• una estética que usa lo superficial para revelar lo profundo

Mi obra Swiss Story es un ejemplo claro de esta aproximación.

4. Swiss Story: mi lectura visual de la crisis Credit Suisse–UBS

Realicé Swiss Story a partir del acontecimiento que marcó un antes y un después en la estabilidad financiera suiza: la compra de Credit Suisse por UBS en 2023. Este hecho no fue solo un movimiento corporativo; fue un colapso simbólico, económico y humano.

Mi obra no ilustra la noticia. La metaboliza.

4.1. El supermercado financiero: cómo traduzco la crisis en lenguaje visual

En la pieza aparecen etiquetas como:

• “SPECIAL DISCOUNT”

• “3.000”

• “CHF”

• “ANGEBOTE”

• “STORE”

Utilizo este vocabulario visual para transformar la operación financiera en una escena de supermercado. Me interesa mostrar cómo una institución histórica puede ser reducida a mercancía, cómo una crisis puede convertirse en un producto rebajado, cómo un colapso puede ser empaquetado como oferta.

Este desplazamiento —del lenguaje financiero al lenguaje comercial— es una crítica directa a la banalización del acontecimiento.

4.2. Los empleados-mutantes: mi metáfora del impacto humano

En la obra aparecen figuras híbridas, personajes cartoon que parecen mutar entre dos identidades corporativas. Estos “mutantes” representan para mí:

• la pérdida de identidad profesional

• la absorción forzada por parte de UBS

• la incertidumbre laboral

• la violencia silenciosa de las fusiones

• la transformación del trabajador en un cuerpo corporativo sin agencia

Los mutantes son, en mi lectura, los verdaderos protagonistas invisibles de la crisis.

4.3. Humor, caos y saturación: mis estrategias críticas

Trabajo con:

• humor negro

• caos visual

• referencias pop

• personajes infantiles

• slogans comerciales

No uso estas estrategias para suavizar la crisis, sino para exponer su absurdo. El humor, en mi obra, es una herramienta quirúrgica: corta, revela, incomoda.

4.4. Swiss Story como archivo visual

Concibo esta obra como un archivo que contiene:

• datos económicos

• referencias mediáticas

• símbolos nacionales

• lenguaje publicitario

• narrativas de crisis

• testimonios implícitos de los trabajadores

Mi intención es que la pieza funcione como un documento que exige lectura informada. El espectador casual ve colores; el espectador atento ve historia económica.

5. Conclusión: por qué defiendo un Neo Pop crítico

A través de Swiss Story, afirmo que el Neo Pop contemporáneo puede ser un lenguaje crítico, editorial y profundamente político. Lejos de la superficialidad que se le atribuye, mi práctica demuestra que el Neo Pop puede ser un espacio de análisis, de archivo y de resistencia visual.

El Neo Pop crítico que propongo:

• no reproduce la cultura de consumo: la disecciona

• no celebra la estética del mercado: la cuestiona

• no infantiliza al espectador: lo desafía

Escribo este artículo para abrir un espacio de reflexión sobre un Neo Pop que no se limita a iconos y muñequitos, sino que utiliza esos recursos para construir narrativas complejas sobre economía, identidad y poder.

Heidi POP — Seis obras, seis lecturas de un país y una memoria por Honys torres

La serie Heidi POP continúa mi exploración de la identidad, la migración y la iconografía suiza desde una mirada Neo Pop que mezcla humor, crítica y afecto. Estas seis piezas funcionan como pequeñas cápsulas narrativas: cada una toma un símbolo, una tensión o un gesto cultural suizo y lo reescribe desde mi experiencia como migrante venezolana viviendo en este país.

A continuación, una lectura puntual de cada obra:

1. Don’t Look Back (2026)

Esta pieza habla del impulso —a veces necesario, a veces doloroso— de avanzar sin mirar atrás. Heidi aparece en un gesto de movimiento, casi de fuga, recordando que migrar implica dejar algo, pero también construir una nueva dirección. El fondo vibrante y los elementos gráficos funcionan como ruido emocional: lo que dejamos atrás nunca desaparece del todo.

2. Game Over (2026)

Aquí la estética del videojuego se cruza con la fragilidad de los sistemas sociales y económicos. “Game Over” no es derrota, sino advertencia: incluso los países más estables pueden enfrentar quiebres, fallas o reinicios. Heidi, como avatar, encarna la pregunta: ¿quién tiene el control del juego?

3. Achtung (2026)

“Achtung” es una palabra cotidiana en Suiza, pero también un recordatorio de alerta. Esta obra dialoga con la idea de vigilancia, orden y precisión suiza, contrastada con la espontaneidad y el caos que forman parte de mi memoria venezolana. Heidi aparece entre señales, advertencias y símbolos que hablan de disciplina, pero también de tensión.

4. Das Angebot (2026)

“El ofrecimiento” juega con la economía, el consumo y la promesa de bienestar. Heidi sostiene un objeto que puede ser regalo, mercancía o tentación. La obra cuestiona la idea de prosperidad como narrativa nacional y cómo esa narrativa se negocia, se compra o se vende.

5. Neutralität (2026)

La neutralidad suiza es uno de sus mitos fundacionales. En esta pieza, Heidi encarna ese ideal: pura, equilibrada, aparentemente intocable. Pero el fondo —lleno de signos, colores y tensiones— revela que la neutralidad es siempre una construcción, un equilibrio frágil entre fuerzas visibles e invisibles

6. Good Delivery (2026)

El título hace referencia al estándar internacional del oro, un símbolo central en la economía suiza. Heidi aparece rodeada de referencias al valor, la pureza y la acumulación. La obra cuestiona qué significa “valor” en un país donde el oro es símbolo de estabilidad, pero también de historia, poder y silencios.

En conjunto: un retrato afectivo de Suiza desde la migración

Estas seis obras funcionan como un pequeño atlas emocional: Heidi no es solo un personaje infantil, sino un espejo donde se cruzan la economía, la cultura, la memoria y la ironía. Cada pieza es una pregunta sobre pertenencia, identidad y los símbolos que construyen un país

PUBLICACIONES EDITORIALES (2026) de Honys Torres

La producción editorial de Honys Torres forma parte integral de su práctica artística, curatorial y documental. Sus libros combinan imagen, archivo, narrativa visual y experimentación gráfica, articulando una mirada crítica sobre la cultura contemporánea, la memoria y los rituales cotidianos.

Cada publicación es concebida, escrita, diseñada y producida íntegramente por la artista, incluyendo la gestión editorial, el diseño gráfico y la asignación de ISBN propio.

SINOPSIS DE LOS LIBROS (2026)

1. Zurich POP (alemán)

Un recorrido visual y crítico por la iconografía suiza contemporánea, reinterpretada desde el humor pop y la mirada migrante. El libro combina fotografía, gráfica y narrativa visual en un diálogo ácido con la cultura local.

2. Zurich POP (español)

Versión en español del proyecto, donde la artista profundiza en los símbolos urbanos, sociales y afectivos de Zúrich, revelando tensiones entre neutralidad, identidad y vida cotidiana.

3. Crónicas de la Piedad Reloaded

Una relectura visual y narrativa de la devoción popular, la memoria afectiva y los rituales domésticos. El libro mezcla archivo, fotografía y escritura fragmentaria para explorar la espiritualidad desde lo íntimo.

4. Diario de incertidumbre: Pandemia

Un registro personal y visual del confinamiento, la ansiedad colectiva y los gestos mínimos que sostuvieron la vida durante la pandemia. Combina texto, dibujo y documentación cotidiana.

5. De tin marín de do pingüe

Un libro lúdico y crítico que revisita juegos infantiles, rimas y estructuras de la memoria temprana para hablar de identidad, migración y supervivencia emocional.

6. Monumentos Lúdicos

Una investigación visual sobre los monumentos como dispositivos de poder, reinterpretados desde el humor, la ironía y la estética pop. El libro propone una arqueología afectiva de lo público.

7. El mal

Un ensayo visual sobre la violencia simbólica, la moralidad y las tensiones éticas de la vida contemporánea. La artista utiliza collage, texto y gráfica para explorar la sombra cultural.

8. El rey desnudo

Una crítica mordaz a los discursos de autoridad, poder y espectáculo. A través de imágenes y textos breves, el libro desmonta la figura del “líder” desde la ironía y la transparencia brutal.

9. Heidi POP

Libro central de la serie, donde la artista construye el personaje HEIDI como un arquetipo pop que refleja, exagera y cuestiona la identidad suiza contemporánea. Incluye obra, procesos y narrativa visual.

10. Detrás del espejo

Una exploración introspectiva sobre la identidad, la autoimagen y la construcción del yo. El libro combina fotografía, escritura íntima y experimentación gráfica para revelar lo que no se ve a simple vista.

Práctica Curatorial: Archivo y Proyectos de Honys Torres

La labor curatorial de Honys Torres se articula desde HT Kunstprojekt, plataforma independiente dedicada a la investigación, edición y producción de proyectos de arte contemporáneo. Desde este espacio, la artista desarrolla una práctica curatorial que combina textos críticos, diseño editorial, acompañamiento profesional a otros creadores y la conceptualización de exposiciones colectivas e individuales. Su enfoque integra sensibilidad visual, rigor conceptual y una lectura crítica del imaginario popular y migrante, generando proyectos que dialogan con la cultura contemporánea desde una perspectiva Neo Pop y transdisciplinaria.

En 2025, Honys asumió la curaduría de FRAUENZONE 2025, donde elaboró el texto curatorial y acompañó editorialmente a un grupo de artistas mujeres en Zúrich, consolidando un proyecto que articula identidad, territorio y presencia femenina en el arte contemporáneo. Ese mismo año desarrolló REDART 2025, una exposición colectiva en la que se encargó de la curaduría, el diseño editorial y la conceptualización visual, integrando obra, narrativa y montaje en un proyecto cohesionado.

Su práctica curatorial también incluye proyectos de investigación, como Archivo POP (2022–presente), un estudio visual sobre iconografía popular y memoria migrante que alimenta tanto su obra como sus textos críticos. En 2023 realizó la curaduría y el montaje de Zürich Polaroid en MATERIAL (Zúrich), una exposición fotográfica experimental que exploró la ciudad desde la inmediatez y la estética del registro instantáneo.

Paralelamente, Honys desarrolla textos curatoriales para exposiciones y publicaciones, y acompaña a artistas en la construcción de portafolios físicos, integrando diseño editorial, análisis de obra y asesoría conceptual. Su trabajo en diseño editorial para artistas (2022–presente) incluye el desarrollo de libros, catálogos y publicaciones especializadas que fortalecen la presencia profesional de creadores contemporáneos.

Entre los artistas con los que ha trabajado se encuentran Ana P. Velasco y Federico Guerrero Ortiz, a quienes ha acompañado en la elaboración de portafolios, diseño editorial y textos curatoriales, consolidando una línea de trabajo que combina edición, curaduría y acompañamiento crítico.

Premios y reconocimientos — Trayectoria institucional de Honys Torres

A lo largo de su trayectoria, Honys Torres ha recibido diversos reconocimientos que destacan la solidez de su práctica artística, su aporte a las artes gráficas y su presencia constante en el panorama cultural venezolano e internacional. En 2025 obtuvo el Premio de Artes Gráficas Luisa Palacios en el Salón Nacional de Artes Elsa Morales, uno de los reconocimientos más significativos dentro del circuito institucional venezolano. En 2024 fue finalista del ARTBOX.PROJECT Zürich 6.0, consolidando su presencia en la escena artística suiza.

En 2020 recibió el Premio del Público por su obra OXIMORON en el Salón virtual Miradas en Cuarentena, organizado por el Instituto de las Artes de la Imagen y el Espacio (IARTES), Venezuela. En 2015 fue distinguida con la Orden Tomás Ignacio Potentini, en su única clase, por su contribución al desarrollo de las artes en el Municipio Píritu, Estado Anzoátegui.

Su trayectoria temprana también fue reconocida con importantes premios nacionales: en 2012 obtuvo el 1º Lugar en Pintura en el Salón Nacional de Arte 7 de Diciembre (Maturín, Venezuela) y el 1º Lugar en Pintura del Municipio Peñalver (Puerto Píritu, Venezuela), además de ser seleccionada en la Explosión Cultural Bicentenaria del Ministerio del Poder Popular para la Cultura. En 2011 recibió Mención Especial en el 31º Salón de Pintura Ateneo de Carúpano, y en 2010 obtuvo Mención Honorífica en el 30º Salón de Pintura Ateneo de Carúpano. Su recorrido incluye también el 3º Lugar en el XI Concurso Faber Castell “Espacio Natural” (2009) y una Mención Honorífica en el X Concurso Faber Castell “Esencia” (2008), consolidando desde sus inicios una presencia destacada en certámenes de arte contemporáneo.

I’m Now on Academia.edu

Dear community,

I’m happy to share that I am now on Academia.edu, a platform where I will begin publishing articles, reflections, and materials related to my artistic, editorial, and documentary production. This space will allow me to organize and share —in a more academic and accessible way— the processes that shape my practice: memory, migration, archival methodologies, visual culture, and the multiple layers that sustain my projects.

On my profile, you’ll find a detailed presentation of my trajectory as an artist, editor, and independent editorial producer, as well as a clear view of how my multidisciplinary background —computer science, law, and organizational development— has shaped my approach to working with documents, archives, and publications.

Academia will be the place where I gather texts, analyses, documentation, and writings that accompany my editorial and visual projects. A space to think, organize, and share.

You can visit it here:

https://independent.academia.edu/HonysTorres

Thank you for accompanying me in this ongoing process of consolidating, expanding, and making my artistic research visible.

My Project on Behance: Crónicas de la Piedad Reloaded

Dear community,

I’m happy to share that my space on Behance is now live, where I’ve begun publishing some of my visual projects. Among them is Crónicas de la Piedad Reloaded, a piece that forms part of my ongoing research into memory, ritual, archives, and the iconography that runs through my creative process.

Behance allows me to present my work in a more visual and immediate way, with images, process notes, and fragments that don’t always appear on my more formal platforms. It’s a place where I can open my archive, share progress, and connect with other perspectives that resonate with my practice.

If you’d like to explore this project —and the ones to come— you can visit it here:

👉 behance.net

https://www.behance.net/honystorres

Thank you for accompanying me in this ongoing process of organizing, expanding, and making my work visible across different digital territories

My ORCID Profile Is Now Live

Dear community,

My ORCID profile is now available, a space where I’m gathering clear, verified, and well‑organized information about my artistic, editorial, and curatorial trajectory. ORCID works as an international identifier for researchers and creators, allowing me to consolidate in one place the projects, texts, exhibitions, and collaborations that have shaped my work in recent years.

If you’re looking for a more structured —and yes, more substantial— overview of my practice, this profile will be a precise and reliable entry point. I’ll be adding publications, institutional links, curatorial references, and other materials that help contextualize my visual and conceptual research.

This is another step in the ongoing process of ordering, making visible, and articulating my archive, my migration, and my creative obsessions. Thank you for accompanying me on this path that, as always, remains beautifully in progress.

You can visit it here:

https://orcid.org/0009-0007-1985-6000

 

Four Voices, One Expanding Territory: The Curators Who Have Written About the Work of Honys Torres

The work of Honys Torres has been examined by four key figures in contemporary Venezuelan art discourse: Morella Jurado, Katherine Chacón, César Araujo Torres, and Linda Phillips. Each of them—coming from different fields such as criticism, curatorial practice, art history, and expanded artistic research—offers a distinct perspective that enriches and deepens the understanding of her work.

What unites them is not only their Venezuelan background but also their international experience, intellectual rigor, and ability to situate Torres’s practice within broader conversations: migration, memory, Latin American visual culture, popular iconography, decolonial thinking, and the politics of images.

Morella Jurado: A Curatorial Voice Rooted in Graphic Culture and Anti‑hegemonic Practice

Morella Jurado is one of the most solid Venezuelan artists and curators of her generation. Her career spans artistic creation, institutional leadership, and critical thought. She has directed institutions such as the Museo Alejandro Otero and IARTES, and has curated editions of the Bienal del Sur, with international presence in Brazil, Spain, Russia, and beyond.

Her curatorial approach—often described as anti‑hegemonic—places the artist’s work at the center, allowing narratives to emerge from the material itself rather than imposing external frameworks. This perspective is particularly relevant to Torres’s practice, where the popular, the ritual, and the political coexist without hierarchy.

Jurado highlights the materiality, popular iconography, and affective dimension of Torres’s work, situating it within a Venezuelan tradition where the graphic, the symbolic, and the political remain in constant tension.

Katherine Chacón: Institutional Rigor and a Continental Reading of Latin American Art

Katherine Chacón is one of the most internationally recognized Venezuelan curators. She served as Chief Curator of the Latin American Art Collection at the Museo de Bellas Artes in Caracas and directed institutions such as the Museo Armando Reverón, the Museo Cruz‑Diez, and the Museo Alejandro Otero.

Her experience across museums in Venezuela, the United States, the Caribbean, and Latin America allows her to position Torres’s work within a regional map, where Latin American visual culture, political memory, and contemporary aesthetics intersect.

Chacón offers a historical, critical, and comparative reading, connecting Torres’s work to broader genealogies: Latin American Pop, political iconography, mass culture, and the symbolic displacements of the diaspora.

César Araujo Torres: Decolonial Thinking and the Critique of Visual Power

César Araujo Torres is an art historian, university professor, and researcher specializing in decolonial studies, Venezuelan and Latin American art, and critiques of hegemonic visuality. He teaches at the Universidad de Los Andes and UCLA, is a researcher at GIAL, and has published studies on nationalism, architecture, and Venezuelan visual culture.

His decolonial perspective is essential for understanding how Torres dismantles symbols, reconfigures iconographies, and questions official narratives.

Araujo Torres emphasizes the friction between memory and power, the critical re‑reading of national symbols, and the political dimension of the image in Torres’s work—especially in series where history and pop culture collide.

Linda Phillips: Politics, Power, and Visual Narratives from a Curatorial and Artistic Practice

Linda Phillips is a Venezuelan visual artist and curator whose research focuses on the relationship between history, politics, power, and memory. Her work and curatorial projects span Venezuela, Europe, and Latin America, addressing themes such as violence, gender, archives, and historical narratives.

Her approach combines critical analysis with narrative sensitivity, allowing her to read Torres’s work through the lens of migration, popular iconography, and the tension between the intimate and the political.

Phillips highlights Torres’s ability to transform visual accumulation into an affective and political language, where the domestic, the ritual, and the pop become tools of symbolic resistance.

Conclusion: Four Voices, One Expanding Corpus

The presence of Morella Jurado, Katherine Chacón, César Araujo Torres, and Linda Phillips as interpreters of Honys Torres’s work is no coincidence: they are four figures with strong trajectories, critical depth, and international recognition, capable of situating her practice within a broad dialogue between art, politics, memory, and Latin American visual culture.

Their texts not only legitimize Torres’s work within institutional contexts—they expand it, contextualize it, and project it into contemporary debates on identity, migration, decolonization, and visuality.

Cuatro miradas, un territorio común: los curadores que han escrito sobre la obra de Honys Torres

Cuatro miradas, un territorio común: los curadores que han escrito sobre la obra de Honys Torres

La obra de Honys Torres ha sido analizada por cuatro figuras clave del pensamiento artístico venezolano contemporáneo: Morella Jurado, Katherine Chacón, César Araujo Torres y Linda Phillips. Cada uno, desde su propio campo de acción —la crítica, la curaduría, la investigación histórica o la práctica artística expandida— aporta una lectura distinta que enriquece y complejiza la comprensión de su trabajo.

Lo que los une no es solo su origen venezolano, sino su experiencia internacional, su rigor intelectual y su capacidad para situar la obra de Torres dentro de debates amplios: la migración, la memoria, la cultura visual latinoamericana, la iconografía popular, la descolonización y la política de las imágenes.

Morella Jurado: la mirada desde la gráfica, la gestión cultural y la curaduría antihegemónica

Morella Jurado es una de las artistas y curadoras venezolanas más sólidas de su generación. Su trayectoria combina creación, gestión institucional y pensamiento crítico. Ha dirigido instituciones como el Museo Alejandro Otero y el IARTES, y ha sido curadora de la Bienal del Sur, con presencia internacional en Brasil, España, Rusia y otros países.

Su enfoque curatorial —que ella misma define como antihegemónico— privilegia la obra del artista como punto de partida para construir narrativas sensibles y políticas. Esta perspectiva es especialmente pertinente para leer la obra de Torres, donde lo popular, lo ritual y lo político se entrelazan sin jerarquías.

Jurado aporta una lectura que reconoce la materialidad, la iconografía popular y la dimensión afectiva del trabajo de Torres, situándolo dentro de una tradición venezolana donde lo gráfico, lo simbólico y lo político conviven en tensión.

Katherine Chacón: rigor institucional y lectura continental del arte latinoamericano

Katherine Chacón es una de las curadoras venezolanas más reconocidas internacionalmente. Fue Curadora Jefe de la Colección de Arte Latinoamericano del Museo de Bellas Artes de Caracas y dirigió instituciones como el Museo Armando Reverón, el Museo Cruz‑Diez y el Museo Alejandro Otero.

Su experiencia en museos de Venezuela, Estados Unidos, el Caribe y América Latina le permite situar la obra de Torres dentro de un mapa regional, donde dialogan la cultura visual latinoamericana, la memoria política y las estéticas contemporáneas.

Chacón aporta una lectura histórica, crítica y comparativa, capaz de conectar la obra de Torres con genealogías más amplias: el pop latinoamericano, la iconografía política, la cultura de masas y los desplazamientos simbólicos de la diáspora.

César Araujo Torres: descolonización, historia del arte y crítica del imaginario hegemónico

César Araujo Torres es historiador del arte, docente universitario e investigador especializado en descolonización, arte venezolano y latinoamericano, y crítica del imaginario visual hegemónico. Es profesor en la Universidad de Los Andes y en la UCLA, investigador del GIAL y autor de estudios sobre nacionalismo, arquitectura y visualidad venezolana.

Su enfoque descolonial es clave para comprender cómo la obra de Torres desmonta símbolos, reconfigura iconografías y cuestiona narrativas oficiales.

Araujo Torres aporta una lectura que subraya la fricción entre memoria y poder, la relectura crítica de los símbolos nacionales y la dimensión política de la imagen en la obra de Honys, especialmente en series donde lo histórico y lo pop se entrecruzan.

Linda Phillips: política, poder y narrativas visuales desde la práctica artística y curatorial

Linda Phillips es artista visual y curadora venezolana, con investigaciones centradas en la relación entre historia, política, poder y memoria. Su obra y su pensamiento curatorial se han desarrollado entre Venezuela, Europa y América Latina, con proyectos que abordan violencia, género, archivo y narrativas históricas.

Su aproximación combina análisis crítico y sensibilidad narrativa, lo que le permite leer la obra de Torres desde la experiencia migrante, la iconografía popular y la tensión entre lo íntimo y lo político.

Phillips aporta una lectura que reconoce en Torres una capacidad singular para convertir la acumulación visual en un lenguaje afectivo y político, donde lo doméstico, lo ritual y lo pop se vuelven herramientas de resistencia simbólica.

Conclusión: cuatro voces, un corpus en expansión

La presencia de Morella Jurado, Katherine Chacón, César Araujo Torres y Linda Phillips como analistas de la obra de Honys Torres no es casual: son cuatro figuras con trayectorias sólidas, pensamiento crítico y reconocimiento internacional, capaces de situar su trabajo en un diálogo amplio entre arte, política, memoria y cultura visual latinoamericana.

Sus textos no solo legitiman la obra de Torres en el ámbito institucional, sino que la expanden, la contextualizan y la proyectan hacia debates contemporáneos sobre identidad, migración, descolonización y visualidad.